Avec Euphoria, Sam Levinson compose une œuvre totale, sensorielle et viscérale, qui dépasse les codes du teen drama pour s’imposer comme une expérience esthétique radicale. Plus qu’une série sur l’adolescence, Euphoria est une traversée du chaos intime : addictions, sexualité, identité, violence émotionnelle — tout y est filmé à hauteur de vertige, avec une mise en scène baroque et envoûtante, proche parfois de l’hallucination. Chaque épisode fonctionne comme un tableau mouvant, un éclat de conscience, où la lumière, la musique et le montage fusionnent pour construire un langage propre, celui du trouble, de l’excès, du présent absolu.

Call Me by Your Name s’impose comme une œuvre d’art totale, où chaque plan, chaque silence, chaque éclat de lumière participe à une composition sensible et maîtrisée. Luca Guadagnino construit un cinéma de la sensation, de la lenteur habitée, en inscrivant son film dans une esthétique profondément méditerranéenne, où l’architecture, la sculpture et la nature deviennent les échos visuels des mouvements intérieurs des personnages. On pense à ces séquences d’apparente banalité — une main qui frôle une chemise, un regard échappé lors d’un repas — qui sont autant de tableaux vivants, composés avec une rigueur plastique évoquant à la fois Caravage et le cinéma contemplatif d’Antonioni.

Avec Mon crime, François Ozon livre une œuvre éclatante qui parvient à conjuguer les exigences de la comédie dramatique et les ambitions d’un cinéma de pensée. Adapté librement de la pièce de théâtre de Georges Berr et Louis Verneuil, le film trouve dans cette origine scénique une matière qu’Ozon sublime en déployant une mise en scène vive, stylisée, d’une grande intelligence formelle. L’ouverture du film, dans le Paris des années 30, donne le ton : le décor des studios de cinéma, reconstitué avec précision, évoque un monde factice où la vérité est toujours mise en scène — une métaphore évidente mais efficace du propos central du film, sur la fabrication des récits, des rôles sociaux et des figures de pouvoir.

Avec Certains l’aiment chaud, Billy Wilder signe une comédie au classicisme trompeur, une œuvre vertigineuse où le burlesque côtoie le subversif, et où le rire masque en permanence une critique acide des normes de genre, du désir et de l’identité. Derrière le rythme effréné des dialogues, les situations rocambolesques et le comique de travestissement, le film s’impose comme l’un des plus brillants exercices d’équilibre du cinéma hollywoodien : chaque plan semble léger, mais chaque idée est lourde de sens.

L’Étrange Noël de Monsieur Jack s’impose comme une œuvre fondatrice de l’imaginaire burtonien, une traversée gothique de l’enfance où l’animation en stop-motion, loin d’être un simple procédé technique, devient le langage même de l’étrangeté. Si Henry Selick signe la mise en scène, c’est bel et bien l’esprit de Tim Burton — son esthétique, son goût pour les figures marginales, ses obsessions visuelles — qui irrigue chaque plan. Jack Skellington, l’élégant épouvantail maître de Halloween Town, incarne cette tension burtonienne entre fascination pour l’horreur et aspiration à la lumière : un héros mélancolique, poétique, profondément seul, dont la quête identitaire passe par la tentative absurde de s’approprier la fête de Noël.

    Joli joli suit l’histoire d’une actrice populaire qui rencontre un homme qui ne la reconnaît pas, et tombe amoureuse de lui. Ce scénario, en apparence léger et prometteur, soulève un potentiel intéressant, explorant le contraste entre la célébrité et l’anonymat. Cependant, le film échoue à exploiter cette dynamique, se perdant dans un enchaînement de choix artistiques et créatifs ratés, laissant une impression générale de déception.

De Conan à Conann, figure interprétée par six actrices se substituant symboliquement de l'une à l'autre en tuant son double, Bertrand Mandico transcende le mythe au profit d'une variation féministe réflexive capable de désigner les affres du patriarcat et du rapport qu'engage le mythe à l'aune de la modernité.

Agatha All Along n’a peut-être pas révolutionné la télévision, mais elle marque une pause réfléchie et introspective dans l’univers cinématographique Marvel, un projet qui surprend par son ambition narrative et sa tonalité gothique. En s’éloignant des conventions de la saga super-héroïque, cette série capte l’attention d’un public en quête d’histoires plus intimistes et énigmatiques. Malgré ses limites, elle parvient à s’ancrer comme une œuvre mémorable, portée par ses personnages, son intrigue alambiquée et une bande originale qui tisse une toile sonore magistrale.

Mommy, chef-d’œuvre de Xavier Dolan, célèbre aujourd’hui son dixième anniversaire et reste une œuvre marquante, non seulement dans la carrière de son réalisateur, mais aussi dans le cinéma contemporain. En 2014, Dolan, alors âgé de 25 ans, présente Mommy au Festival de Cannes, où il reçoit le Prix du Jury. Ce triomphe assoit sa réputation à l’international et le propulse au rang des cinéastes incontournables de sa génération. Ce succès ouvre la voie à des projets de plus grande envergure, tels que Juste la fin du monde, où il réunit un casting de premier plan, puis Ma vie avec John F. Donovan, son premier film en langue anglaise, qui rassemble des stars hollywoodiennes. Mommy, cependant, reste l’une de ses œuvres les plus percutantes et personnelles, un film qui condense et amplifie son style, tout en posant des questions radicales sur l’amour, l’identité et les liens familiaux.

Sean Baker nous plonge une fois de plus dans une Amérique en marge avec Anora, un film à la fois captivant et désarmant. Cette fois, il s’attache à raconter l’histoire d’Anora, une jeune escorte qui s’éprend d’un héritier millionnaire. Ce qui débute comme une aventure romantique se délite peu à peu lorsqu'elle réalise que son amour n'est qu'une parenthèse dans la vie dorée de son amant. Le départ précipité de ce dernier, rappelé par des parents impitoyables, laisse Anora seule face à un destin incertain.

Le film de Nicolas Bedos, Mascarade, présenté en avant-première au Festival de Cannes 2022, n’a pas manqué de diviser critiques et spectateurs. Derrière un scénario audacieux et une distribution prestigieuse, le film semble vaciller entre ambition narrative et écueils esthétiques. Tentons ici d’en décortiquer les contradictions.

Hommes de l’ombre, performeurs de l’extrême, ils se trouvent sous vos yeux dans les actions les plus captivantes du cinéma et pourtant ils passent totalement inaperçus. Je parle, en effet, des cascadeurs de cinéma. Leur métier est dangereux mais ils n’hésitent pas à réaliser les prouesses les plus incroyables pour satisfaire notre plaisir des yeux et relayer les acteurs, les stars qui elles crèvent l’écran.

À travers le personnage d'Ofelia, Le Labyrinthe de Pan nous entraîne dans un univers où l'esprit d'enfance règne en maître, offrant une immersion captivante dans un récit teinté de noirceur. Située sous la férule impitoyable de Franco, la mère d'Ofelia trouve refuge dans une relation avec un général du dictateur, marquant ainsi le contexte oppressant dans lequel évolue l'héroïne.

Le onzième opus cinématographique de Stanley Kubrick, sorti en 1980 sous le titre de Shining, marque une nouvelle étape dans la carrière du réalisateur en explorant le genre de l'horreur. Le film, devenu une référence dans le domaine, met en scène Jack Torrance, interprété par Jack Nicholson, un écrivain en manque d'inspiration qui accepte un emploi de concierge dans un hôtel isolé en montagne avec sa femme Wendy et leur fils Danny. Malgré l'apparente tranquillité des lieux, l'hôtel cache des secrets sombres et des événements tragiques du passé refont surface à travers les visions de Danny.

Dans le film Alabama Monroe de Felix van Groeningen, la lumière joue un rôle symbolique puissant, éclairant les émotions des personnages et les thèmes profonds de l'histoire. Utilisée avec finesse, elle crée une atmosphère visuelle captivante, reflétant l'intimité, les contrastes émotionnels et les transformations des protagonistes. Cette utilisation subtile de la lumière enrichit l'expérience cinématographique en ajoutant une dimension supplémentaire à la narration, faisant de la lumière un élément narratif essentiel dans la construction du récit.

« Chris Marker, c’est un peu le plus célèbre des cinéastes inconnus », ainsi s'exprime Philippe Dubois dans la préface du livre Recherches sur Chris Marker. Cette déclaration intrigante trouve écho dans l'ensemble de l'œuvre du réalisateur, notamment dans son court métrage Junkopia, distingué par le César du meilleur court métrage documentaire en 1983 et largement diffusé au cinéma.

L’histoire prend place fin du XIXe siècle et nous présente un jeune matelot, Ephraïm Winslow, nouveau venu dans la profession étant chargé de relever son prédécesseur dans l’entretien du vieux phare d'une île perdue au milieu de l'océan. 

Par sa mise en scène il réussit à réaliser un style propre à lui pour évoquer cette vie profondément bouleversée par les personnages et par une ambiance glaciale liée aux conditions sociales de la société. À travers l’image, il promet un voyage esthétique simple, mais exigeant pour permettre au spectateur de se confronter aux enjeux du film.